聲樂（Vocal Music）藝術又稱歌唱藝術，是用人聲唱出的帶語言的音樂，是音樂與文學結合的綜合性藝術表演形式。聲樂是人在大腦高級神經系統指揮及意識與情感的心理支配下，通過發聲器官的生理機能運動，產生物理聲學效應——即高低、長短、強弱變化的樂音。

Vocal一詞意為“口頭的，口語的”，14世紀后期來自古法語 vocal 和拉丁語 vocalis，意為“聽起來，鏗鏘，說話”；作為名詞，意為“元音”，來自 vox；與音樂有關的使用方式的記錄最早見于1580年；“直言不諱的”這一意思則最早于1871年開始應用。“Vocal cord”（聲帶）一詞則最早見于1872年。

聲樂一詞在中國古代多有記載：《周禮·地官·鼓人》“鼓人掌教六鼓四金之音聲，以節聲樂，以和軍旅，以正田役。”晉潘岳 《西征賦》“隱王母之非命，縱聲樂以娛神。”唐李復言《續玄怪錄·麒麟客》“歌鸞舞鳳及諸聲樂，皆所未聞。”清高士奇《扈從西巡日錄·康熙二十二年三月朔壬寅》：“妙妓雜樂，無不畢陳，云賀藥王生日。幙帟徧野，聲樂震天。”聲樂今指歌唱。可以有音樂伴奏，亦可無音樂伴奏，皆以歌喉為主，與器樂不同。

聲樂藝術是一種源于生活的古老藝術，從人類最初模仿蟲鳴鳥叫之音、勞動之余的 “杭育杭育 ”和涂山氏“候人兮猗”等聲樂起源，一直到當代民族聲樂的多元發展，經過歷史沉淀與升華后，聲樂已經成為人類生活中不可或缺的重要組成部分，更是人們精神生活的核心養分。

聲樂是用人聲唱出的帶語言的音樂，是音樂與文學相結合的一種綜合性藝術表演形式，同時也是一門技巧性很強的學科。聲樂是人在大腦高級神經系統指揮及意識與情感的心理支配下，通過發聲器官的生理機能運動，產生物理聲學效應——即高低、長短、強弱變化的樂音。

聲樂是以藝術化的嗓音、語言化的旋律，塑造聲腔與語言高度融合的聽覺審美形象，并通過生動的表演產生視覺審美形象，表現音樂與文學的寓意與意境，借以抒發人的思想感情的一門音樂表演藝術。聲樂演唱與表演是聲樂藝術的重要組成部分，對演唱者有較高的要求，不僅表現在演唱者需要有扎實的音樂理論知識，還表現在演唱者要能夠游刃有余地運用各種科學演唱方法，只有在此基礎上形成的具備美感的人聲演唱才是合格的。因此，聲樂演唱與表演是一種技術性與藝術性相統一的活動。

聲樂與常說的“唱歌”并不是一個概念，唱歌只是人們對聲樂的一種通俗叫法，只具備某些表層意義，而聲樂則是一個具有學科意義的專業概念，包含許多唱歌所不具備的內涵，如學科理論與藝術規律、技能訓練與審美表現等。

聲樂藝術與聲樂作品兩者之間緊密聯系、相互促進。聲樂藝術演唱與表演，將無聲的聲樂作品變為有聲的審美形象，進而將作品的藝術內涵表現出來。一方面，聲樂作品的創作與發展推動著聲樂藝術發展，高質量的聲樂作品對聲樂藝術提高的作用是不容小覷的；另一方面，聲樂作品只有通過聲樂藝術才能體現其審美價值，演唱者在進行聲樂藝術表演時，聲樂作品的內涵被充分挖掘，觀眾通過演唱者的演唱，才知道聲樂作品想要傳達的情感意蘊。

人類的嗓音是聲樂演唱的工具之一，是由聲帶振動而發出聲音的一般性物理現象，是人類的自然生理能力。聲樂演唱藝術就是運用科學發聲方法使人的嗓音變得更加美妙動聽。人類嗓音按照性別和年齡差異特點，可分為童聲、女聲、男聲三類。按照音域的高低、音色的差異和不同的表現特點，女聲可以分為女高音、女中音、女低音；男聲可分為男高音、男中音和男低音。

童聲是指少年兒童變聲期以前的聲音。童聲的聲樂演唱音域較窄，童聲的音色嬌嫩、清脆響亮，較為纖細，男女童聲的音色無差異，較為接近女聲。童聲是非常美妙的，具有明亮、純凈、自然的聲音特色和淳樸豐富的情感，是所有的少年兒童在變聲期之前的聲音統稱。雖然由于少年兒童的聲帶處于生長期，但是它獨特的表現力是不可替代的。因此，科學的訓練是非常重要的。尤其是在變聲期前后，合理的用聲時間、強度和科學的發聲方法，能夠使他(她)順利地經過變聲期，獲得一副成人的美妙歌喉。

女高音 女高音是人聲的最高聲部，女高音具有清澈、明亮、柔和的音色特點和強烈的穿透力，在合唱中，常常擔任最高聲部和主要旋律聲部的演唱，女高音由于音色、音域和演唱技巧上的差異，又可分為抒情女高音、戲劇女高音、花腔女高音。抒情女高音聲音寬廣、明朗，音色秀麗、柔和圓潤、抒情性強，適于演唱聲樂演唱性較強的聲樂曲，如藝術歌曲、浪漫曲等，在歌劇中一般扮演青少年女子。戲劇女高音聲音高亢、渾厚、堅實有力，音色豐滿洪亮，情緒和色彩變化豐富，具有莊重、堅強的特色和很強的藝術感染力。該高音擅長于演唱戲劇性較強的、音樂蘊涵較深的聲樂作品。善于表達強烈復雜的思想感情和激動人心的戲劇性場面。如歌劇、清唱劇中的詠嘆調等。花腔女高音聲音清亮醇和、圓潤靈活、精巧細致，色彩變化豐富，是一種技巧性的女高音類型，其音域比其他類型的女高音更寬廣。花腔女高音擅長演唱歡快的、情緒熱烈的樂曲，而且具有演唱快速音階、琶音、頓音和裝飾性華彩樂段的獨特能力。由于其具有器樂般的精湛技巧和表現力，一些近現代的作曲家為其創作聲樂協奏曲，如聲樂協奏曲《海燕》等。

女中音 女中音介于女高音與女低音之間，其音質圓潤、柔和，音色深厚、豐滿，與戲劇女高音相比，色彩較暗，較之女低音則顯明亮。女中音擅長演唱親切、抒情性較強的歌曲，在合唱中擔任中聲部的演唱。該音在歌劇中常擔任重要角色，往往扮演劇中的成年女性。

女低音 女低音是女聲中最低的聲部，音色渾厚、豐滿而結實。俄羅斯作曲家柴可夫斯基的歌劇《葉甫蓋尼·奧涅金》中第一幕第一場的《奧爾伽的敘詠調》就是一首女低音獨唱曲。

女聲演唱

男高音 男高音是男聲的最高聲部，按音色特點可細分為抒情男高音和戲劇男高音二類。抒情男高音，音色明朗、甜美、抒情而富有詩意。由張加毅詞、田歌作曲的紀錄影片《綠色的原野》中的插曲《草原之夜》便是一首被譽為“中國的小夜曲”的男高音抒情歌曲。戲劇男高音，音色洪亮、堅實有力，富于英雄氣概，多表現強烈的感情和戲劇性色彩。如意大利作曲家普契尼的歌劇《托斯卡》中的男主角，畫家馬里奧·卡瓦拉多西的著名詠嘆調《星光燦爛》即是一例。

男中音 男中音的音域和音色都介于男高音和男低音之間，音色剛毅、雄壯有力。法國作曲家比才的歌劇《卡門》中第二幕埃斯卡米洛的斗牛士之歌《先生們，我心里真歡暢》就是一首典型的男中音唱段。

男低音 男低音的音色低沉、深厚、雄渾，擅長表現蒼勁沉著和莊重雄壯的感情。如俄羅斯作曲家格林卡的歌劇《伊萬·蘇薩寧》中第四幕伊萬·蘇薩寧的詠嘆調“請埋葬我，大地母親”即為一首男低音曲目。

此外，在17-18世紀美聲唱法黃金期，還出現了閹人歌手演唱形式，他們擁有特別發達的胸腔和成年男子的體力，但是聲音確如女性般靈活、柔美，特殊的生理特征使他們能夠自如地演唱高音、顫音、花腔、繁難樂句和各種各樣的樂段，把歌唱藝術推向了高潮。法國大革命后，女性沖破封建思想的束縛走向舞臺的趨勢以及“關閉”唱法的發現使閹人歌手逐漸被取代。

意大利文中稱美聲唱法為Bel canto，意為美妙的歌唱，是產生于17世紀歐洲的一種演唱風格。以音色優美，富于變化；聲部區分嚴格，重視音區的和諧統一；發聲方法科學，音量的可塑性大；氣聲一致，音與音的連接平滑勻凈為其特點。這種演唱風格對全世界有很大影響。現在所說的美聲唱法是以傳統歐洲聲樂技術、尤其是以意大利聲樂技術為主體的演唱風格。它的產生不僅與歐洲音樂的發展過程有著密切的聯系，而且作為人類文化意識形態的一部分，它同樣也是社會、時代發展的產物。

在文藝復興思潮的影響下，逐漸產生了歌劇，美聲唱法也逐漸完善。佩里根寫出意大利最早的歌劇《達芙妮》，1600年又寫出了歌劇《猶麗狄茜》。作曲家的創作，使歌劇突破了以往的唱法。歌劇中要求詠嘆調和宣敘調相結合，要求合唱和重唱相結合。宣敘調需要足夠的氣息支持，要求明亮優美的聲音能穿透交響樂送到觀眾耳邊。歌劇的出現，使美聲唱法趨于完善。美聲唱法是音樂藝術和宗教表演結合下的產物，因歌劇的發展而發展。20世紀，美聲唱法進一步發展、創新，形成完整的體系，進入多元化發展。

歌唱呼吸是發聲的動力，是歌唱的基礎。美聲區別于其他唱法的最主要的特點，用一句話來概括就是美聲唱法是混合聲區唱法。美聲唱法不僅影響著中國的聲樂藝術，同樣也影響著其他國家的聲樂藝術。美聲唱法從聲音來說，是真聲假聲都用，是真假聲按音高比例的需要混合著用的。從共鳴來說，是把歌唱所能用的共鳴腔體都調動起來。這種唱法本身有它自己特有的“味道”和特有的音響特色。美聲唱法所需要的歌唱樂器唱出來的歌聲是有它特有的“味道”的。

約德爾唱法源自瑞士阿爾卑斯山區，該地牧民在呼喚羊群時常用的號角和叫喊聲等，逐漸發展成為最初的約德爾唱法，十分有趣。在開始演唱時，一般用真聲唱 中、低音區，轉而用假聲進入高音區，交替運用兩種方法進行演唱，效果奇特。

綜合其發展歷程看來，約德爾唱法又叫約德爾歌，節奏速度較快，以胸聲和頭聲快速轉換為旋律，形式新穎，呈現出高-低-高-低的聲音效果，給人一種前所未有的聽覺享受。究其來源而言，阿爾卑斯山區是這一唱法的發源地，所以這也促使約德爾調成為該山區最成熟的傳統山歌。其最初是作為該地牧民的通俗語言而存在，用其驅趕和呼喚羊群，后來則擴大了其運用范圍，招呼伙伴、表達情意等，逐漸形成了約德爾唱法。

約德爾唱法歷史悠久，這一獨特唱法起源于勞動，隨著時間的推移，使其逐漸被世界各國文化所接受并發展。而且眾多音樂形式吸收、借鑒了這一唱法中的精華部分，如搖滾樂、鄉村音樂等，為流行音樂增添了新的音樂元素，帶來了不一樣的聽覺感受。在音樂審美和音樂風格不斷改變的今天，這一唱法以其空靈的音樂色彩、濃厚的自然氣息，吸引著諸多歌手及創作者進行音樂創作，這對于世界音樂的發展起著有力的推動作用。

中國民族唱法是以演唱中國民歌及中國創作歌曲為主要目的，具有濃郁中國民族特色的一種演唱模式。民族唱法是被中國人廣泛接受的一種歌唱方法，中國有56個民族，每個民族都有自己獨特的歌唱審美，甚至不同地域歌唱的方式和審美也各不相同。

中國民族聲樂的起源，最早可追溯到公元前六千多年前母系氏族社會，產生于勞動人民的生產勞動和生活實踐。《吳越春秋》中記載的黃帝時期的“彈歌”，和《淮南子》中記載的“勞動號子”，是中國民族聲樂的基本雛形。它們的演唱形式多以吆喝和吶喊為主。嚴格地講，中國古代民族聲樂藝術的演進，就是從原始的勞動而產生的“號子”開始萌芽，到歌、舞、樂三結合的原始音樂形式的形成，后又演變成歌舞和各種戲曲、雜劇、曲藝及民歌等，直到歌唱活動成為一門單獨的藝術形式的發展過程。

第一階段，可以追溯到中國20世紀的四五十年代，主要以郭蘭英、王玉真等老一輩歌唱家為代表。由于當時的歷史背景等客觀因素，致使這個時期的民族唱法要更加注重語言“說”的音樂感，其發聲方法融入中國許多戲曲的元素、發聲方法和特點等，主要以真聲為主，聲音自然、細膩，具有明顯的傳統民歌特點。當時許多優秀的聲樂作品，如《我的祖國》等至今仍廣為傳唱。

第二階段，是在20世紀的六七十年代，主要以馬玉濤、李雙江等老一輩歌唱家為代表。這個時期的民族唱法無論是對歌曲的駕馭能力，還是對歌曲作品的情感詮釋，都有了很大的飛躍。他們打破了以戲曲為元素的這種傳統唱法，打開喉嚨、混入假聲，使聲音圓潤流暢、上下貫通，改變了之前以真聲為主的發聲技巧。如《馬兒啊，你慢些走》等依然盛行傳唱。

從20世紀的80年代開始，中國很多聲樂愛好者開始系統地學習和研究西洋唱法，在具有中國民族聲樂特色的基礎上，融合了美聲唱法科學的發聲方法，在聲音技巧上也有了質的飛躍，創造了新的民族唱法，以彭麗媛、宋祖英、張也、吳碧霞等這些新一代歌唱家為代表，形成了中國民族聲樂藝術發展的第三個階段。

民歌唱法的特點是：聲音聽起來很甜美，吐字清晰，氣息講究，音調多高亢。民間歌曲源于人民之中，是我們民族的寶貴文化財富。中國有56個民族，不同的民族習慣，不同的民族語言，形成了豐富多彩的民歌。可以說，目前有的已形成了歌曲系列，如：茉莉花系列歌曲、搖籃曲系列歌曲、送情郎系列歌曲、山歌系列歌曲、號子系列歌曲等。有許多值得敬佩的音樂工作者，歷盡艱辛到祖國各地，跋山涉水去收集各種民間歌曲。

民族新唱法主要是在繼承中國民族傳統唱法的基礎上，借鑒了美聲唱法的特點，經過不斷的實踐，不斷總結出來的一種完美的唱法。這種唱法既有民族唱法的優點，例如咬字吐字清晰，聲音甜美，氣息靈活；又有美聲唱法的聲區統一，音域寬廣，真假聲結合的特點。這種唱法使民歌歌唱演員的唱齡延長。同時，這種唱法能自如地演唱民族歌劇的大段唱腔，是中國優秀聲樂教育事業工作者多年研究的可喜成果。

民族唱法在第一階段的主要特點是真聲運用的比較多，聲音位置相對靠前，以口腔共鳴和頭腔共鳴為主，發音時口腔用力較大，發音咬字的動作比較明顯，吐字比較清晰，在當時提倡以字帶聲的唱法，音色明亮，聲音相對比較單薄；第二階段其主要特點是在繼承了中國早期傳統民族唱法的同時，改變了以真聲為主的發聲技巧，混入了假聲，使音色不僅明亮，而且還具有了穿透性，讓聲音更加圓潤通暢；第三階段的主要特點是在中國傳統民族唱法的基礎上，結合并運用了美聲唱法的發聲方法，使音域和音量擴大，咬字輕松自然，呼吸流暢、聲音明亮集中、極具表現力，同時，能夠演唱的歌曲技巧難度增大，風格也更為多樣化，這是民族唱法發展的一個新的篇章，是民族聲樂發展的一個新的方向。

民族唱法的表現形式主要包括戲曲、民歌、曲藝、歌劇等。中國的戲劇品種多達上百種，是一個將劇、歌、舞、技結合在一起的復雜的戲劇體系。戲曲的主要表現形式是以“四功”即唱、做、念、打和“五法”即手、眼、身、步、法的藝術手段來塑造劇中的角色。民歌來源于民間，可分為山歌、小調、勞動號子和創作民歌這幾種表現形式，中國是個多民族的國家，各民族、各地區都有著各不相同、各具特色的民歌。曲藝是民族聲樂藝術中一種獨特的藝術表現形式，主要是用說、唱、奏、演的綜合形式來表現。歌劇和戲劇的表現形式基本一樣，只不過少了“打”的成分，而歌劇中的民族唱段最能體現演唱者的技巧和水平。

“通俗唱法”原本叫“流行歌曲唱法”，由于中外語言的特點不同，存在差異，但是也有不少共同之處。在西方直到1900年，古曲的“美聲”和“通俗”的歌唱方法，并沒有根本上的區別，雖然演唱歌劇要比演唱輕歌劇和流行歌曲需要更為豐滿的聲音和更高的歌唱技巧。1920年以后，這兩種不同的音樂演唱風格，由于流行歌曲的歌唱者開始用話筒而產生了分歧，不再需要把聲音唱得很大的技巧，啟發了白人歌者丟開節拍穩定的音調和拍子。這種朗誦或講讀的歌唱風格，采用口語的形式和句讀，對聲音的炫耀也不像古典聲樂歌唱者那么注意保持明確的旋律線，這時歌手的聲音都具有輕松、圓潤、親切的色澤。

在中國，通俗唱法大約出現在20年代后期的上海，真正為廣大民眾喜愛并開始繁榮，則是1980年前后鄧麗君的歌聲進入大陸后。鄧麗君溫馨樸實的演唱風格，對大陸青年歌手的演唱實踐，或對歌曲的創作都有很大的影響。可以說“通俗唱法”在表演上突破了某些正宗音樂流派的傳統形式，使歌唱藝術大大放下架子，接近了那些“與音樂無緣”的沒有長出“音樂耳朵”的人們。通俗唱法一經流傳就迅速為廣大民眾，特別是青少年學生所喜愛。

流行音樂起源于歐洲，后在美國發展壯大，逐漸形成了爵士、布魯斯、搖滾、節奏布魯斯、說唱、民謠、靈歌、舞曲等風格門類，又通過媒介直接把流行音樂推向整個世界，形成了龐大的流行音樂產業及流行音樂文化。隨著流行音樂的快速發展，一種新的演唱形式——流行唱法也應運而生。在中國，始于20世紀30年代廣泛流傳，習慣地把它稱作“通俗唱法”，后來為了與國際接軌，改稱流行歌曲唱法，簡稱流行唱法。具有大眾化、生活化、創造性和多樣性等特點，同時簡單明了、直抒胸臆，旋律和節奏都非常鮮明，內容、題材多以愛情、親情、勵志為主題，以不同風格抒發當代人的自我感受和心理體驗。至今，流行唱法已經與美聲唱法、民族唱法、通俗唱法等傳統唱法一樣，形成了自己一套獨立的發聲體系，比如平衡唱法、流行聲樂教法等。

通俗唱法聲音的主要特點是完全用真聲唱，接近生活語言，輕柔自然。強調激情和感染力，演唱時有意借助電聲的音響制造氣氛，所以很注意話筒的使用方法和電聲效果。通俗唱法以青年為中心，可以說是：寫青年，唱青年。青年唱，青年聽。有兩個重要的特性：一是它風格樣式國標化；二是它與現代高科技電子技術結合。20世紀80年代，由于政治經濟上的改革開放，文化上的禁銅被解除，國門大開，首先是港臺通俗音樂一擁而進，形成熱潮。這決不僅僅是因為年輕人在經濟上的獨立，而是由于流行音樂有青春活力，展示了人們如何生活的意愿。同時，一大批通俗歌手不斷涌現，并風格各異，五彩繽紛。通俗歌曲從此也受到了國家和人民以及音樂界的極大關注和重視。歌詞特點：一般都比較生活化、口語化，即使是帶有詩情畫意、意蘊較深的歌曲，也都從歌曲的總體氛圍上來刻畫、追求，而歌詞本身也多是盡量做到口語化、生活化，因而要注意歌詞的語言性。許多優秀的通俗歌曲表達意境與氛圍十分濃郁，然其歌詞仍十分通俗易懂，不刻意雕琢。

形式即樣式或外形，聲樂形式指聲樂的演唱形式。從古到今，不同時代的聲樂演唱形式有不同變化，聲樂演唱形式是隨時代的發展而變化的。從傳統的演唱形式到新興的表演形式，精彩紛呈，各領風騷。聲樂演唱形式又是根據聲樂作品的內容來決定的，迄今為止，聲樂演唱形式的種類有十余種，一般可分為獨唱、重唱、對唱、輪唱、齊唱、合唱等。

獨唱是單獨一個人用歌聲去塑造藝術形象，完成對聲樂作品二度創作的聲樂表演形式。因每個人的條件和性別的不同，音色也不盡相同，可分男高音、男中音、男低音、女高音、女中音、女低音等獨唱。其音色特點是：男高音高亢明亮，男中音渾厚莊嚴，男低音低沉莊重；女高音華麗靈巧，女中音溫柔圓潤，女低音豐滿寬厚。他們之間的音域也各不相同。男高音中有音色明朗而抒情的抒情男高音，音色壯麗而堅實的戲劇性男高音等。女高音中還分為音色清脆靈巧的花腔女高音，音色秀麗甜美的抒情女高音，音色剛強壯實的戲劇女高音。

重唱就是指在多聲部歌曲中每一聲部單獨由一人(或兩人)演唱的形式。重唱因聲部數量不同可分為二重唱、三重唱、四重唱、五重唱等。如果每一聲部由兩人擔任演唱，稱雙重唱。因人聲的類別不同，重唱又可區別為女聲重唱、男聲重唱、男女聲混聲重唱、童聲重唱等。重唱藝術的表現力豐富，各聲部相互配合，共同抒發同一思想感情，塑造同一音樂形象。如歌劇《卡門》第二幕中的走私販子的五重唱，各聲部分別代表著不同角色及其性格特征，并在同一時間內展現出來，達到特殊戲劇效果。

對唱所演唱的是單聲部歌曲，這一點和重唱不同。對唱是指由至少兩個人組成的對答式的演唱形式。其形式較為活潑，根據人聲的不同還可分為男生對唱、女生對唱、男女生對唱等，也可以分兩組對唱。對唱形式在民歌中的應用非常普遍，中國鄉間尤其是少數民族地區，對歌是青年男女表達愛情的重要方式。西方古典音樂中也有對唱的形式。對唱形式有由伴唱合唱隊多人回答、領唱者發問的形式，也有樂器加入過門回答的方式。

齊唱就是眾人同唱一個曲調，演唱特點是整齊劃一、歌聲雄壯有力。齊唱不予以限制人數的多少，可以是男聲齊唱或女聲齊唱，也可以是男女混聲齊唱，要求歌聲統一、整齊、洪亮。齊唱可以根據個人的喜好和歌曲的特點來選擇是否需要樂器的伴奏。齊唱歌曲大都富于號召力和戰斗性，是群眾歌詠活動來源的主要形式。如軍歌、國歌、校歌及一些富有時代感的群眾集會歌曲，合唱里有時也以齊唱來表現力量與整齊。

兩組以上的歌者以相等的間隔，先后演唱同一曲調。輪唱中不同聲部此起彼伏，常常形成對位與復調的效果，如巴赫的《創意曲》和亨德爾的《彌賽亞》合唱中，都有很出色的輪唱。

合唱是一種將男、女、高、低各聲部融合起來的集體聲樂演唱形式，將演唱者劃分出幾個不同的聲部，由這些聲部同時演唱兩個或兩個以上不同曲調的歌曲。如果按聲音的性質劃分，可分為童聲合唱、女聲合唱、男聲合唱與混聲合唱等；按人數的多少劃分，又可分為大合唱、小合唱；按旋律聲部劃分，可分為二部合唱、三部合唱、四部合唱等。

歐洲中世紀在文學、科學、音樂等方面獲得了長足的發展，中世紀音樂發展特征可以概括為：地位較高，被列為“七藝”之一；早期以宗教音樂為主，中晚期世俗音樂有所發展；早期以聲樂（即人聲）為主，中晚期器樂有所發展。聲樂是中世紀最主要也是最重要的音樂形式，人們認為它是最純潔、最美妙、最適合與上帝交流的語言和媒介。此時的聲樂又分為教會聲樂和世俗聲樂，其中教會聲樂主要以格里高利圣詠為代表，而世俗聲樂以法國的游吟詩人、德國的戀詩歌手和名歌手等為代表。

世界音樂在歐洲大地上發展到最輝煌的形式，其中基餐教的作用功不可沒。在西方宗教音樂發展的歷史長河中，聲樂演唱一直占據著重要的位置，唱歌贊美上帝怒是基督教教會儀式中的重要組成部分。西方宗教聲樂體裁的發展也經歷了一個從簡單到復雜，從單一到多樣，從宗教到世俗的過程。與此相適應的，在聲樂演唱上，無論是能力還是風格也同樣經歷了由莊嚴到優美，由低級到高級的過程。這種體裁的演進與聲樂藝術的發展之間存在著某種必然的聯系。

15-16世紀，德國的騎士階層開始衰落，市民階層逐漸崛起，由市民階層組成的名歌手取代了戀詩歌手的地位，這些歌手根據比賽名次分為：藝徒、學友、歌手、詩人、名家等。戀詩歌手對后世產生了深遠的影響，最突出的是19世紀德國著名作曲家瓦格納所作的歌劇《紐倫堡的名歌手》。

歐洲文藝復興時期的音樂流派主要有三個。蘭德樂派是文藝復興早期一個主要的樂派，繼勃艮第樂派之后活躍于1450-1600年間，德蘭樂派的作曲家都在文藝復興時期的音樂中有各自的貢獻。蘭德樂派最有影響的代表人物有：約翰·奧克岡、若斯坎·德·普雷、奧蘭多·迪·拉索。在文藝復興時期，威尼斯是意大利音樂很發達的地方之一。16世紀下半期，威尼斯的音樂文化達到了先進水平。音樂在威尼斯的日常生活中占著很重要的地位，威尼斯樂派是活躍在1530-1620年間的樂派，形成于威尼斯的圣馬可教堂。該樂派在文藝復興末巴洛克初的音樂風格探索中處于優勢地位。其特點在于，對牧歌這一音樂形式的特殊貢獻，使用復合唱、色彩探求，在華麗樂曲中聲樂和器樂的混合、豐富的對比音響，以及優秀的意大利管風琴音樂。威尼斯樂派的音樂創作內容有：銅管樂與弦樂的重奏曲、管風琴的前奏曲、幻想曲與托卡塔等。代表人物有：維拉爾特、安德烈亞·加布里埃利、喬瓦尼·加布里埃利叔侄。羅馬樂派是16世紀中葉羅馬教會中發展起來的音樂流派，當時的威尼斯樂派正處于改革時期，而羅馬樂派則幾乎專門服務于宗教音樂作品的創作，他們忠實地保留著佛蘭德樂派音樂的無伴奏合唱風格，這個樂派最重要的代表人物是帕萊斯特里那。

巴洛克是歐洲文化典型藝術形式，巴洛克藝術形式出現并盛行16-18世紀歐洲。聲樂藝術經歷巴洛克以前單旋律的宗教音樂時期，沒有色彩變化，缺乏表現力。 在文藝復興運動的推動下，解放思想文化，力圖恢復古希臘古羅馬的藝術輝煌。在意大利的佛羅倫薩，佩里（J.Peri）、里努契尼(O.Rinuccini)、卡契尼（G.Caccini）等藝術家組成了名為“卡梅拉塔”（cameretla）文化組織，創作出世界上第一部歌劇，進入了歐洲音樂史上的一個新時代。

從16世紀意大利歌劇的興起，以貝里尼、多尼采蒂、羅西尼作品為代表的意大利歌劇，反映出這個時期的聲樂演唱水平，是美聲唱法的“鼎盛時期”。19 世紀意大利歌劇作曲家威爾第的歌劇，標志著歌劇創作的新高度。這些都能說明美聲唱法誕生于意大利。正是在這樣的歷史背景下，在文藝復興運動的帶動下才有了歌劇，從而有了美聲唱法。19世紀德、奧藝術歌曲的產生和發展，出現了與歌劇不同的演唱形式，美聲唱法的演唱風格打破了狹隘、有限的敘述史詩的說唱藝術，還培養了很多從事藝術歌曲演唱的歌唱家。意大利那不勒斯樂派孕育出了最初的喜歌劇，第一部喜歌劇《管家女仆》由那不勒斯樂派作曲家佩格萊西創作，1733年在那不勒斯成功首演。歌劇時長半小時左右，只有女高音、男中音、啞 角等三個角色，許多唱段經典流傳。

20世紀歐洲藝術的發展經歷了兩次高潮，第一次在20世紀20年代，印象主義音樂興起，它注重的是事物的瞬間印象，此外還有些新民族樂派的作曲家。第二次高潮是在20世紀50-60年代，這一時期各流派百花爭艷，掙脫束縛不斷創新，例如序列音樂、新音色等等，聲樂的發展也必定經歷著更新。保留美聲傳統又富時代氣息的演唱風格，世界三大男高音歌唱家之一的帕瓦羅蒂正是這一風格的代表人物。帕瓦羅蒂有著漂亮的音色，自1961年扮演普契尼《藝術家的生涯》中男主人公魯道夫便立即聲名大噪，此后經常登臺表演，代表作有《今夜無人入眠》、歌劇《弄臣》《我的太陽》等。他的聲音極具魅力，有色彩有個性，聲音連貫，合理運用共鳴，不會覺得突兀。歌唱語言上更是字正腔圓，珠聯璧合。在此基礎上，他形成了自己的一套風格：保留美聲傳統又富時代氣息，追求樸實無華，符合大眾審美要求。其作品有宗教題材的；也有世俗流行的。他對意大利乃至世界的美聲發展都作出了極大的貢獻。

俄羅斯地跨歐亞大陸，其文化孕育在歐洲與亞洲文化交融的環境中。正是在這種豐富的文化背景影響下，造就了俄羅斯多彩繽紛的聲樂風格，同時也奠定了俄羅斯聲樂在世界范圍內的重要地位。20世紀以來，不同的聲樂學說像雨后般春筍而出。在幾百年的歷史發展中，俄羅斯一直在不斷地吸收西方的先進文化、藝術、教育理念。俄羅斯的聲樂界也在不斷地吸收世界的演唱精華，尤其是在俄羅斯民族樂派形成以后，俄羅斯聲樂藝術結合本國的特點不斷發展，成為20世紀世界主要聲樂學派之一，在世界聲樂藝術領域有舉足輕重的地位和影響。

原始的音樂是歌、舞、樂三位一體的，其中歌唱占最重要地位且節奏因素較突出，相傳黃帝作有《彈歌 》反映原始狩獵生活。據《詩經 》記載， 當時存有首歌曲，分為“風”“ 雅”“ 頌” 三類。 流行范圍大約在陜西、山西、河南、山東、湖北的北部和四川的東部。這是周朝初年到春秋中期近500年間的作品。公元4世紀屈原的《楚 辭》中可唱的歌詞占絕大部分，例盡管當時已有像《九歌 》一類較為完整的聲樂套曲，但由于其表現形式又有其原始 一 面，這一時期形成的聲樂藝術一般稱為古歌時代。

詩經、楚辭、漢賦、樂府詩、唐詩、宋詞、元曲、明清民謠等，或者本身就是各個歷史時期的民歌樣式，或者是源于民歌而后才發展成為文人手中較為純粹的文學體裁。諸如“相和歌”“唐大曲”“諸宮調”等歌唱形式以及唱賺、 鼓詞等說唱形式，都是中國早期民族聲樂藝術的佐證。在燕南芝庵的《唱論》、魏良輔的《曲律》、 沈寵綏《度曲須知》、李漁的《閑情偶記》和徐大椿的《樂府傳聲》等有關聲樂理論著作中，看到中國傳統的聲樂藝術在聲、情、字、腔等演唱要素方面，提出帶有濃郁經驗色彩、 為演出實踐服務、富有民族特色的見解和理論總結。明萬歷10年，意大利傳教士利瑪竇在宗教儀式中演唱圣詠，是歐洲聲樂最早在中國出現。

中國現代聲樂表演藝術自 20 世紀初在探索與發展的過程中，一方面借鑒西洋歌劇表演藝術的形式，另一方面從中國的傳統文化，尤其是中國傳統戲曲表演藝術中汲取了豐富的藝術營養，使中國現代聲樂表演藝術在其表現形式和相關審美理念上，繼承保存了中國傳統戲曲表演美學的重要成分，又融入了西方戲劇表演美學的一些新元素。在這種新唱法影響下出現的中國歌唱藝術已經走過一百多年的發展歷程，已成為中國音樂表演舞臺上聲樂藝術的主流。如西洋歌劇在中國的發展進程中嬗變出中國民族歌劇唱法，中國藝術歌曲產生了獨特的演唱方式等，都對現代中國聲樂表演藝術產生了巨大影響。第一批從海外學成歸來、掌握了歐洲歌唱方法的中國聲樂表演藝術家活躍在大江南北的音樂舞臺上，形成了中國聲樂藝術領域第一代表演藝術群體。其中，周淑安、應尚能、趙梅伯可謂“佼佼者”，他們的藝術地位以及對中國當代聲樂藝術發展“融匯中西”的努力，其歷史貢獻眾所周知。

把西方系統的聲樂藝術帶入中國成就最高的，當屬聲樂教育家、女高音歌唱家周淑安。她于1919年到美國紐約音樂學院學習聲樂，1920年回國，在廣東女子師范學校任教師，傳授意大利美聲唱法。1927年創立上海音樂專科學校之后，意大利美聲唱法才開始在中國得以傳播，從而引起了中國聲樂藝術文化的一系列的影響與變革。

中國民歌是中華民族璀璨音樂文化的基石，它淵源流長、久唱不衰，一直“是勞動人民在生活和勞動中自己創作、自己演唱的歌曲。它以口頭創作、口頭流傳的方式生存于民間，并在流傳過程中不斷經受人民群眾集體的篩選、改造、加工、提煉，隨著歲月的流逝而日臻完美”。中國民歌對中國現代聲樂表演藝術的影響巨大，在其發展歷程中，民歌演唱藝術的影響不容小覷，“鄉土化”進程成為中國現代聲樂表演藝術發展的一個亮點。

中國文化的多樣性、共時性，造就了植根于這種文化土壤中所產生的文化文本的復雜狀態。1919-1949的30年間，雖然中國的新聲樂表演藝術已經有長足的發展，但是在1949年以前中國現代聲樂表演藝術尚未形成氣候，中國現代聲樂表演藝術的突飛猛進是在1949-1977年間，且從分庭抗禮走向融合。當前中國聲樂表演藝術的發展更應該向本體回歸，要充分吸收中國多民族民歌、傳統戲曲、說唱等表演藝術之優長，強化改革；科學借鑒古今中外演劇藝術中的一切有利因素，融合創新；以滿足廣大“受眾”的審美情趣，這也理應是當下中國聲樂表演藝術構思及總體把握的美學原則。

西方美聲唱法對中國聲樂藝術無疑起了巨大的推動作用。近年來中國年輕選手紛紛在國際聲樂比賽中獲獎，更進一步說明運用美聲唱法來解釋和表達外國聲樂作品的藝術水準已達到相當高的水平。美聲唱法不僅影響著中國的聲樂藝術，同樣也影響著其他國家的聲樂藝術。在西方聲樂的發展過程中，美聲唱法占據著重要的、不可取代的地位，創造了許多美麗、輝煌的時代，為今天的聲樂藝術作出了巨大貢獻，也影響了不同國家的歌唱藝術。

印度現在能聽到的最古老的聲樂是，“德魯帕德”（Dhrupad）即為固定的詩篇，其直接前身是“布拉班達嘎納”，“布拉班達”的原意是“結構、組織”，“嘎納”的原意是“歌曲或歌唱”，它盛行于11-13世紀。音樂學家們都認為布拉班達最初是在寺廟中演唱的，后來在北方演變為德魯帕德。在德魯帕德中，最重要且最有特點的就是對呼吸的控制。人們將瑜伽中對呼吸的控制轉化為發音的科學，特別是呼氣時的力量，其結果是一種內省、寧靜、安詳的感覺。伴隨它的是連續不斷的、很樸素的旋律，從而形成了一種沉思寞想的藝術形式，但它沒有像后來的聲樂體裁中那些輕快并充滿裝飾的旋律。

非洲是星球上最具音樂性的大陸，非洲有著獨特的，充滿生機的地區音樂傳統。多種的流行音樂，包括藍凋和搖滾，都是從非洲起家的。獨唱，尤其是專業歌唱伴隨著炫技的樂器演奏（經常是器樂合奏）在非洲散布很廣。節奏和舞蹈在非洲文化中是如此的重要，以至于一些非洲傳統音樂家認為，音樂若不能倚舞而和，便不是音樂。

非洲大部分地區的表演也是別具一格的：這里沒有“聽眾”與“表演者”之分，所有社會組織中的人員都參與其中，即使在付費音樂會中，聽眾也都是跟著表演者歌唱、拍手和舞蹈。在非洲的一些地區，人們對文化的期望，包含人人有平等的音樂能力。”非洲傳統歌唱的另一個重要特點，是歌唱和語言間的聯系十分緊密。次撒哈拉非洲區塊的語言類似漢語、越南語以及許多美洲原住民語，是有聲調的。這意味著言語的意義會隨著音高的抑揚而改變。如果說中非的音樂風格受卑格米人聲樂復音傳統很大的影響，那么南非歌唱風格中的獨特特征，則是基于布希曼人（Bushmen）具獨特特點的歌唱傳統。